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11/12/23

Ecco Napoleon: il più "kubrickiano" dei film di Ridley Scott

 


Dopo l'apprendistato di una vita all'inseguimento della fenice di Kubrick, Ridley Scott realizza il film più kubrickiano della sua filmografia.

E del resto Napoleone [che sarebbe stato interpretato da Marlon Brando] è stato il grande sogno inseguito da Kubrick per una vita e [purtroppo] mai realizzato.

Napoleon è un film di sontuosa realizzazione, di sforzo produttivo grandioso, stracolmo di citazioni kubrickiane, soprattutto relative a Barry Lyndon ovviamente.

Citazioni nelle inquadrature, nella luce e nella disposizione dei personaggi negli interni; nelle scene di massa di battaglia; e perfino nella scelta e nell'uso delle musiche [a parte le bizzarre e superflue "canzoni" inventate da Phipps].

Phoenix è come al solito all'altezza, regalandoci un Napoleone rozzo [qual era] e parecchio stolido, ma genio militare e sottomesso [fin troppo] al fascino di una Giuseppina sicuramente un troppo moderna [ma Ridley Scott è un vero autore e può permettersi questo e altro, perché non è un regista che replica la realtà, come fanno molti film che sembrano girati al Museo delle Cere]

A questo proposito, riguardo ad alcune "critiche" lette (certe volte superficiali e risibili per motivazioni), c'è da specificare (purtroppo) che un film, e specie un film d'autore, NON è un documentario.

Un film d'autore offre una lettura e una interpretazione di un personaggio: c'è la stessa differenza che occorre tra una biografia e un romanzo tratto da una storia vera.

Scott offre il SUO Napoleone (come avrebbe fatto anche Kubrick), scegliendo di rappresentarlo senza alcuna empatia e senza nessuna strizzata d'occhio allo spettatore (e quindi anche senza nessun riguardo alla grandeur francese): un uomo cinico, complessato, paranoico in pieno delirio di personalità: realizza un film lugubre, scuro, potente ma nichilista, ed è difficile avanzare critiche nella rappresentazione di un personaggio che seminò il terrore in tutta Europa, che fu il responsabile diretto di TRE MILIONI di morti in meno di 15 anni (quasi tutti ragazzi mandati a morire più civili inermi) e che tanto per dirne una, si fece promotore del ripristino della schiavitù, in gran parte del suo impero..

La sceneggiatura è impeccabile [in 2h e 38 è ricostruita l'intera parabola del generale còrso divenuto imperatore], fotografia, scene e costumi lo stesso, come del resto le scene di massa, delle quali Scott è maestro.

Napoleon merita di essere visto ed è il migliore Scott almeno dai tempi de Il Gladiatore [2000].

Poi certo, lo sappiamo tutti, Stanley Kubrick proveniva da un'altra galassia.


Fabrizio Falconi - 2023

11/10/22

L'incredibile, esponenziale, aumento di suicidi nell'esercito americano (soprattutto in Alaska)

La celebre scena del soldato "Palla di Lardo" in Full Metal Jacket di Stanley Kubrick

 

L'aumento dei tassi di suicidio tra i membri del servizio attivo ha costretto il Pentagono a rivedere i protocolli militari per la salute mentale. Ma molti membri del servizio in crisi hanno ancora paura di farsi avanti e ammettere di aver bisogno di aiuto. E coloro che cercano aiuto si trovano spesso a combattere contro il radicato stigma che circonda i problemi di salute mentale, gli ostacoli burocratici e la pressione interna per rimanere in servizio. 

Il Pentagono ha creato un comitato indipendente per rivedere i programmi di salute mentale e di prevenzione dei suicidi dell'esercito. Allo stesso tempo, una rete di organizzazioni caritatevoli vicine ai militari ha cercato di colmare le lacune con una serie di programmi e iniziative di sensibilizzazione. 

Dopo aver terminato una missione in Afghanistan nel 2013, Dionne Williamson si sentiva emotivamente insensibile. Altri segnali d'allarme sono apparsi durante i diversi anni di permanenza all'estero. "È come se mi fossi persa da qualche parte", ha detto Williamson, un capitano di corvetta della Marina che ha sperimentato disorientamento, depressione, perdita di memoria e stanchezza cronica. Sono andato dal mio capitano e ho detto: "Signore, ho bisogno di aiuto. C'è qualcosa che non va"

Mentre il Pentagono cerca di affrontare la spirale dei tassi di suicidio nei ranghi militari, l'esperienza di Williamson fa luce sulla realtà dei membri del servizio che cercano aiuto per la salute mentale. Per la maggior parte di loro, il semplice fatto di riconoscere le proprie difficoltà può intimidire. E ciò che segue può essere frustrante e scoraggiante. 

Williamson, 46 anni, alla fine ha trovato la stabilità grazie a un ricovero di un mese e a un programma terapeutico che prevede l'equitazione. Ma ha dovuto lottare per anni per ottenere l'aiuto di cui aveva bisogno. "Mi chiedo come io abbia fatto a sopravvivere", ha detto

A marzo, il Segretario alla Difesa Lloyd Austin ha annunciato la creazione di un comitato indipendente per rivedere i programmi di salute mentale e di prevenzione dei suicidi dell'esercito. 

Secondo i dati del Dipartimento della Difesa, i suicidi tra i membri del servizio attivo sono aumentati di oltre il 40% tra il 2015 e il 2020. Il numero è aumentato del 15% solo nel 2020. In posti da tempo caldi per i suicidi come l'Alaska - dove i membri del servizio e le loro famiglie devono fare i conti con un isolamento estremo e un clima rigido - il tasso è raddoppiato. 

Uno studio del 2021 del Cost of War Project ha concluso che, dall'11 settembre, il numero di membri del servizio e di veterani morti per suicidio è quattro volte superiore a quello dei caduti in combattimento.

Lo studio descrive in dettaglio i fattori di stress specifici della vita militare: "l'elevata esposizione ai traumi (mentali, fisici, morali e sessuali), lo stress e il burnout, l'influenza della cultura maschile egemonica dell'esercito, il continuo accesso alle armi e la difficoltà di reintegrarsi nella vita civile".

Il Pentagono non ha risposto alle ripetute richieste di commento. 

Ma Austin ha riconosciuto pubblicamente che le attuali offerte del Pentagono in materia di salute mentale, compreso l'Ufficio per la prevenzione dei suicidi della Difesa istituito nel 2011, si sono rivelate insufficienti. "È imperativo prendersi cura di tutti i nostri compagni di squadra e continuare a ribadire che la salute mentale e la prevenzione dei suicidi rimangono una priorità fondamentale", ha scritto Austin a marzo. "È chiaro che abbiamo ancora del lavoro da fare". L'anno scorso l'Esercito ha emanato nuove linee guida per i suoi comandanti su come gestire i problemi di salute mentale nei ranghi, con tanto di diapositive e copione. Ma rimangono sfide impegnative a lungo termine. 

La situazione in Alaska è particolarmente grave. A gennaio, dopo una serie di suicidi, il sergente maggiore Phil Blaisdell si è rivolto ai suoi soldati in un emozionante post su Instagram. "Quando il suicidio è diventato la risposta?", ha chiesto. "Per favore, mandatemi un DM se avete bisogno di qualcosa. Per favore." 

La senatrice statunitense Lisa Murkowski, R-Alaska, ha affermato che, mentre il distacco in Alaska può essere un sogno per alcuni membri del servizio, per altri è un incubo solitario che deve essere affrontato.  

"Bisogna prestare attenzione a questo aspetto quando si vedono le statistiche balzare così in alto", ha detto Murkowski. "In questo momento, ci sono tutti. I capi di Stato Maggiore guardano l'Alaska e dicono: "Santo cielo, cosa sta succedendo lassù?"". 

o stress di un incarico in Alaska è aggravato dalla carenza di terapisti sul campo. Durante una visita alla Joint Base Elmendorf-Richardson in Alaska all'inizio di quest'anno, il Segretario dell'Esercito Christine Wormuth ha ascoltato gli operatori sanitari della base che dicono di essere a corto di personale, di essere esauriti e di non poter vedere i pazienti tempestivamente. Se un soldato cerca aiuto, spesso deve aspettare settimane per un appuntamento. 

 "Abbiamo persone che hanno bisogno dei nostri servizi e non possiamo raggiungerle", ha detto un consulente di lunga data a Wormuth durante una riunione. "Abbiamo bisogno di personale e finché non lo avremo, continueremo ad avere soldati che muoiono". 

Il torneo annuale di pesca di combattimento a Seward, in Alaska, è stato creato per "far uscire i ragazzi dalle caserme, portarli fuori dalla base per un giorno e farli uscire dalla loro testa", ha detto il cofondatore Keith Manternach. Il torneo, iniziato nel 2007 e che ora coinvolge più di 300 membri del servizio, prevede una giornata di pesca in acque profonde seguita da un banchetto celebrativo con premi per la cattura più grande, la cattura più piccola e la persona che si ammala di più. "Penso che ci sia un enorme elemento di salute mentale", ha detto Manternach. 

Non è solo in Alaska. Il sergente Antonio Rivera, un veterano di 18 anni che ha completato tre missioni in Iraq e un anno a Guantanamo Bay, a Cuba, riconosce liberamente di soffrire di un grave disturbo da stress post-traumatico. "So di aver bisogno di aiuto. Ci sono dei segnali e ho aspettato abbastanza", ha detto Rivera, 48 anni, assegnato a Fort Hood in Texas. "Non voglio che i miei figli soffrano perché non sono andato a cercare aiuto".

Sta facendo yoga, ma dice di aver bisogno di più. È riluttante a cercare aiuto all'interno dell'esercito. "Personalmente mi sentirei più a mio agio se potessi parlare con qualcuno all'esterno", ha detto. "Mi permetterebbe di aprirmi molto di più senza dovermi preoccupare di come questo possa influire sulla mia carriera". 

Altri che parlano dicono che è difficile ottenere assistenza. 

28/09/22

50 anni di "Solaris" il capolavoro di Tarkovskij che fu interpretato come la risposta russa a "2001 Odissea nello Spazio"

 


Era il 1972 - cinquanta anni fa -  quando uscì il film di fantascienza "Solaris", firmato da uno dei più grandi registi di sempre, Andrej Tarkovskij, terminato soltanto 4 anni dopo l'uscita del capolavoro di Kubrick, "2001 Odissea nello spazio".

Negli anni della corsa alla luna, il film fu immediatamente visto come "la risposta russa al film di Kubrick." 

E in effetti i confronti tra i due film sembrano inevitabili. Entrambi propongono idee nobili su ciò che l'umanità può trovare nelle profondità dello spazio. Esploriamo per scoprire, per comprendere meglio fenomeni a noi precedentemente sconosciuti. Come mai? Perché speriamo che, sia in piccolo che in grande, le nostre scoperte ci aiuteranno a capire meglio noi stessi e come ci adattiamo alla scala più ampia della Terra e del cosmo

In entrambi i casi, i personaggi umani fanno davvero scoperte sbalorditive sulla vita tra le stelle. Kris di Solaris e Dave (Kier Dullea) di A Space Odyssey si trovano faccia a faccia con esseri ed entità più potenti e influenti di qualsiasi cosa avrebbero potuto prevedere. 

Proprio come il genere della fantascienza stessa, le forme di vita aliene presenti sfidano l'ovvia categorizzazione. 

Nonostante le somiglianze, ogni film è in gran parte un prodotto di ciò che il rispettivo regista si è sforzato di ottenere. Caldo e freddo L'approccio di Kubrick, così come il suo approccio a gran parte della sua opera, è spesso classificato come freddo e clinico. Gli effetti visivi sono splendidi, il mistero della trama magnetico e la conclusione maestosa. Il viaggio dell'ultimo terzo del film, attraverso lo spazio e forse il tempo stesso è eccitante e sorprendente.

Tarkovsij, puntò su un'esperienza che si potesse comprendere e apprezzare anche emotivamente. Proprio come i monoliti del 2001 hanno influenza sugli umani (in modi trasformativi !), così anche l'oceano su Solaris comunica con Kelvin, il dottor Snaut (Jür Järvet) e il dottor Sartorius (Anatoly Solonitsyn) in modi che sarebbero stati descritti come stregoneria alcuni secoli fa

Si dice che la sostanza giallastra sotto la superficie del pianeta produca giardini che ricordano quelli che si trovano in tutta Europa, per non parlare degli umanoidi che l'energia del pianeta può replicare. 

Sia 2001 A Space Odyssey che Solaris' le esperienze sono incredibilmente bizzarre. Quando Kris dice che sua moglie Hari (Natalya Bondarchuk) è morta 10 anni fa, ma viene vista camminare per i corridoi della stazione spaziale come se fosse una passeggiata domenicale, qualcosa non va

Ma tra questo e il caleidoscopico spettacolo di luci acido di Kubrick, il primo tocca qualcosa che ci rende ciò che siamo: le emozioni

I ricordi di Kris, Sartorious e Snaut sono ciò che produce repliche quasi perfette di persone che conoscevano. Non viene spiegato abbastanza perché lo spettatore o gli astronauti capiscano esattamente perché Solaris lo stia facendo, ma è quasi fuori luogo

Il fatto è che il suo oceano può leggere nei pensieri più profondi ed evocare esseri fatti di carne e ossa. Sebbene Tarkovskij accenna a chi hanno ricordato Snaut e Sartorius, il fantasma vivente più importante è Hari, la moglie defunta da tempo di Kris. 

Non è solo la sceneggiatura di Tarkovskij e Fridrikh Gorenshtein.   

Il trio più importante che fa di Solaris quello che è, è il suo regista, il suo direttore della fotografia Yadim Yusov e la sua montatrice Lyudmila Feiginova. Non molti film prendono vita come Solaris . 

Nella nostra epoca moderna di tagli veloci e montaggi appariscenti, il lavoro di Feiginova e Yusov corre il rischio di risultare terribilmente lento.

Ma Solaris visto oggi diventa un'esperienza sensoriale unica. 

Adattato dall'omonimo romanzo di Stanislaw Lem, l'intero libro si svolge sulla stazione spaziale in bilico sopra il misterioso pianeta omonimo, ma la sceneggiatura originale prevedeva che la maggior parte dell'azione si svolgesse sulla Terra.

Alla fine, Tarkovskij ha trovato un equilibrio tra il mostrare il suo protagonista a casa prima della partenza e l'avventura esistenziale nello spazio

Il russo notoriamente non amava lo sforzo della sua controparte americana. Per lui, qualunque verità potesse approfondire la fantascienza risiedeva più nell'esperienza umana che nelle ossessioni per il progresso tecnologico. È necessaria un'astronave per arrivare a Solaris, è necessaria una pellicola per informare Kris su cosa aspettarsi e i medici possiedono lo strumento di misurazione per concludere scientificamente che Hari non è davvero Hari. In definitiva, niente di tutto ciò significa molto se le persone interessate non possono provare nulla. Solaris è molto simile a Odissea nello spazio , ma con un tocco umano.

Fonti: 
Tilt Magazine: Solaris at 50: Edgar Chaput, Space, Kubrick, and Tarkovsky’s Human Touch 

06/06/22

L'equivoco di Casanova: "Io lo odio," diceva Fellini



Rivendo il Casanova di Fellini (1976), dopo parecchi anni, si scoprono nuove cose: è un film stupefacente, strano, cupo, mortuario, splendido. Esattamente nello stesso anno in cui Kubrick affrontava con Barry Lindon quello stesso secolo, il Settecento, disegnando geografie di spazi aperti, magnifiche quinte naturali, paesaggi che sembrano usciti dalla pittura fiamminga, Fellini si concentrava e si rinchiudeva nello spazio claustrale dello studio 5 di Cinecittà dove il film fu INTERAMENTE girato, ricostruendo lì Venezia, Parigi, Londra.

Si assiste inebetiti alla mostruosa capacità creativa dei tecnici e artigiani italiani di allora: Peppe Rotunno, Danilo Donati (premiato per questo film con l'Oscar), la sartoria Tirelli, i coreografi e ballerini che allestirono un poderoso mondo visionario, dove tutto è falso e tutto è più reale del reale.

Anche Donald Sutherland fu una scelta impeccabile, anche se Dino De Laurentiis che poi si ritirò dal produrre il costosissimo film, avrebbe voluto addirittura Robert Redford.

Ma Fellini non voleva un Casanova bello e lucido. Voleva un Casanova da incubo, marcio dentro e con gli occhi acquosi come Venezia, decadente, finito, o forse mai entrato nella vita per davvero.

E' un film che fa bene rivedere per capire cosa fosse il cinema italiano di quei tempi e che fa male per lo stesso motivo.

La causa del notevole insuccesso al botteghino fu certamente l'equivoco alla base del film, che Fellini aveva ben presente e che aveva accettato.

I produttori, prima De Laurentiis, poi Rizzoli (che rinunciarono) infine Alberto Grimaldi, erano ovviamente allettati all'idea di vendere all'estero il "Casanova", trionfo della figura del latin lover ante litteram italiano, del mattatore sessuale latino, realizzato nientemeno che da Fellini.

Una accoppiata che si sarebbe venduta da sola, senza nemmeno bisogno di pubblicizzarla e che loro credevano avrebbe esaltato "fellinianamente" le leggendarie doti amatorie/sessuali del maschio italico.

Non avevano però fatto i conti con Fellini, che dopo aver scelto di girare il film, decise di metterlo in scena boicottando completamente la figura dell'avventuriero veneziano, facendola a pezzi, massacrandola, realizzando il suo film più cupo, mortuario, decadente, completamente respingente.

La libertà dell'artista, a quei tempi, poteva prevalere e prevaleva, sugli interessi del botteghino.

Bernardino Zapponi, co-sceneggiatore del film, racconta il feroce corpo a corpo che sin dall'inizio Fellini ingaggiò con il suo personaggio. Racconta Zapponi:

"Fellini lo odiava: “è un cavallo. Come posso raccontare la vita di un cavallo”. Normalmente lo chiamava “lo stronzone”. Effettivamente non esisteva personaggio più antitetico di Fellini che il famoso libertino settecentesco."

Più tardi, in uno special televisivo, intervistato da Gianfranco Angelucci e Liliana Betti, Fellini ci va giù ancora più duro, e impietosamente dice:

"Gli italiani che si sentono tutti 'in pectore' grandi seduttori, hanno anch'essi creato il proprio precursore in Casanova... Nella terribile frustrazione sessuale in cui gli italiani si dibattono, era quasi fatale che si generasse il mito di un campione che riscattasse tutti. In anni, in secoli di educazione misogina e sessuofobica, amministrata dalla Chiesa cattolica, il maschio latino ha accumulato nei confronti della donna una tale paralizzante bramosia che lo ha fatto restare un adolescente, un individuo cui è stata impedita la crescita... Conclusione? Casanova, io lo odio."

E nonostante questa lucidità totale, e l'evidenza del film - di cui basterebbe guardare un solo minuto - ancora c'è qualcuno che lega lo stesso Fellini al mito del Casanova e del seduttore seriale latino-italiano, un equivoco che perdura e forse ancora strappa, ovunque lui si trovi, un sorriso di scherno al genio riminese, che sempre ci manca.

Fabrizio Falconi - 2022

18/02/22

Dopo 50 anni l'enorme attualità di "Arancia Meccanica" - Le questioni etiche, la violenza, il libero arbitrio

 


Di un capolavoro assoluto del cinema, come Arancia Meccanica (A Clockwork Orange), girato nel 1971 da Stanley Kubrick, non si finisce mai di parlare. 

Pochi altri film posseggono un alone leggendario come questo, e contengono implicazioni etiche sulla violenza e il libero arbitrio che lo rendono eternamente contemporaneo. 

In una recente intervista di Mariolina Venezia per Io-Donna/Corriere della Sera, è tornato a parlare l'indimenticabile protagonista Malcolm Mc Dowell, oggi ottantenne, che vive a Ojai in California, con i suoi 3 figli adolescenti (ne ha 5 in totale), che è tornato a raccontare curiosità riguardo le mitiche riprese di quel film che lo vide, a 25 anni, protagonista.

Fra l'altro Arancia Meccanica fu di gran lunga il film girato più rapidamente da Kubrick che, come è noto, trasformava i suoi set in estenuanti prove di resistenza (con l'apice toccato per Eyes Wide Shut, la cui produzione si è protratta praticamente per un intero decennio). 

Quel film fu invece realizzato in pochi mesi e Kubrick andò dritto all'obiettivo di trasformare il romanzo da cui film era stato tratto, scritto da Anthony Burgess in un apologo sulla libertà e sul libero arbitrio trascinato fino alle sue estreme conseguenze.

A parte le diatribe personali avute dopo l'uscita del film da Mc Dowell con Kubrick - l'attore ancora in questa ultima intervista sostiene di essere stato "truffato" da Kubrick che non gli riconobbe la percentuale sui diritti d'autore che gli aveva promesso prima di iniziare a girare (ragione per cui McDowell riesce nel corso dell'intervista ad avere parole più entusiaste per Lindsay Anderson, di cui fu protagonista del celebre If, piuttosto che per Kubrick)  - Malcolm - sullo schermo il fantastico e terribile Alex, capo dei drughi, ha ricordato l'ossessione di Kubrick per il tema del film che culminò nella maniacale cura con cui furono girate le scene della famosa "Cura Ludovico". Mc Dowell racconta che a causa di quei divaricatori oculari e del numero altissimo di ciak, rischiò anche dei seri danni all'occhio. 

Dal punto di vista dei contenuti, uno degli obiettivi del film che stava a cuore a Kubrick è il comportamentismo (psicologia comportamentale) sostenuto dagli psicologi John B. Watson e BF Skinner. Burgess disapprovava il comportamentismo, definendo uno dei libri più famosi sull'argomento scritto da uno dei più noti comportamentisti BF Skinner, Beyond Freedom and Dignity, pubblicato nel 1971, "uno dei più pericolosi mai scritti".

Sebbene i limiti del comportamentismo siano stati dichiarati dal suo principale fondatore JB Watson, Skinner affermava che la modifica del comportamento, in particolare il condizionamento operante (condizionamento che viene effettuato tramite tecniche alternate di ricompensa/punizione), più del "classico" condizionamento Watsoniano , è la chiave per un società ideale

Una tesi quantomeno inquietante. 

La Cura Ludovico nel film è ampiamente vista come una parodia della terapia dell'avversione più del classico, normale condizionamento

Mostrando il "riabilitato" Alex che rifiuta sia il sesso che la violenza, il film suggerisce che privandolo delle sue capacità di badare a se stesso, il condizionamento mentale di Alex attraverso la Tecnica Ludovico sta disumanizzando i suoi autori, proprio come gli atti di violenza di Alex nella prima parte del film avevano finito per disumanizzare lui.  

Fra l'altro, la tecnica che tende a condizionare Alex ad avere reazioni di sofferenza fisica di fronte alla violenza è simile al progetto MKUltra che era stato sviluppato dalla CIA negli anni '50

Secondo alcuni, la tecnica Ludovico può essere paragonata alle tecniche esistenti e moderne di castrazione chimica, rendendo la materia del film strettamente contemporanea.

Inoltre, il film permette di “porre lo spettatore di fronte alle sue pulsioni tabù” e quindi di considerare il cervello come un “covo di follia”. 

La società ritratta nel film, caratterizzata da crisi sociale e deriva totalitaria, fu accomunata secondo alcuni a un tipo di struttura comunista, per le evocazioni della cultura russa, come lo slang adolescenziale, creato da Burgess traendo ispirazione dal vocabolario russo, o affreschi di operai in stile Propaganda realista socialista sovietica , deturpata da disegni osceni, che si trovano sia nel film che nel romanzo. 

Tuttavia, nella lunga e storica intervista rilasciata a Michel Ciment, Kubrick rispose, alla domanda sull'esatta natura della società descritta, che essa rimane volutamente ambigua. Kubrick riconosce di fare paragoni nel film tra la destra e la sinistra e sente che c'è poca differenza tra i due: "Il ministro, interpretato da Anthony Sharp , è chiaramente una figura di destra. Lo scrittore, interpretato da Patrick Magee, è un pazzo di sinistra. Differiscono solo nei loro dogmi. Il loro modo di fare e gli obiettivi finali sono quasi gli stessi."  

Una metafora potentissima del potere di ogni tipo e grado e ideale, che ancora oggi turba e affascina. E che esprime il pessimismo di Kubrick e la potenza filosofica dei film che ci ha lasciato.

Fabrizio Falconi - 2022  

10/01/22

Qual é il più famoso dei film non realizzati? C'erano di mezzo Kubrick e Jack Nicholson

 


Non v'è dubbio che, per il prestigio unico del regista - Stanley Kubrick - e l'imponenza del soggetto e della produzione, questo sia per molti, il più famoso film tra quelli mai realizzati. 

Dopo 2001: Odissea nello spazio, Kubrick progettò infatti di girare un film sulla vita di Napoleone . Affascinato dalla vita dell'imperatore e dal fascino della sua "autodistruzione", Kubrick trascorse molto tempo a pianificare lo sviluppo del film e conducendo per circa due anni meticolose ricerche sulla vita di Napoleone, leggendo diverse centinaia di libri e ottenendo l'accesso alle sue memorie personali e commenti. 

Cercò anche di vedere tutti i film su Napoleone e non ne trovò nessuno attraente, incluso il film di Abel Gance del 1927 che è generalmente considerato un capolavoro, ma per Kubrick un film "davvero terribile". 

I critici erano unanimi nel considerare Napoleone un soggetto ideale per Kubrick, abbracciando la "passione per il controllo, il potere, l'ossessione, la strategia e l'esercito" di Kubrick, mentre l'intensità e la profondità psicologiche di Napoleone, il genio logistico e la guerra, il sesso e la natura malvagia dell'uomo erano tutti ingredienti che non potevano non attrarre profondamente Kubrick

Kubrick preparò una sceneggiatura nel 1961 e prevedeva di realizzare un'epopea "grandiosa", con scene di massa che includevano l'utilizzo di 40.000 fanti e 10.000 cavalieri. 

Aveva intenzione di assumere le forze armate di un intero paese per realizzare il film, poiché considerava le battaglie napoleoniche "così belle, come vasti balletti letali", con una "brillantezza estetica che non richiede una mente militare per essere apprezzata". 

Voleva che fossero replicati il ​​più fedelmente possibile sullo schermo. 

Kubrick inviò gruppi di ricerca alla ricerca di location in tutta Europa e spedì lo sceneggiatore e regista Andrew Birkin , uno dei suoi giovani assistenti nel 2001, all'Isola d'Elba , Austerlitz e Waterloo, per scattare migliaia di foto perché Kubrick potesse studiarle.  

Kubrick si avvicinò a numerose star per interpretare ruoli da protagonista, tra cui Audrey Hepburn per l' imperatrice Josephine , una parte che non poteva accettare perché aveva da poco avuto un figlio. 

Gli attori britannici David Hemmings e Ian Holm vennero considerati per il ruolo principale di Napoleone, prima che la scelta cadesse definitivamente su Jack Nicholson. 

Il film era in fase di pre-produzione ed era pronto per iniziare le riprese nel 1969, quando la MGM annullò il progetto

Sono state addotte numerose ragioni per l'abbandono del progetto, compreso il costo previsto, un cambio di proprietà presso MGM, e la scarsa accoglienza che il film sovietico del 1970 su Napoleone, Waterloo , aveva ricevuto. 

Nel 2011, Taschen ha pubblicato il libro Stanley Kubrick's Napoleon: The Greatest Movie Never Made, una raccolta di documenti originali di Kubrick, come idee per foto di scene e copie di lettere che Kubrick ha scritto e ricevuto in quei due anni. 

Nel marzo 2013, Steven Spielberg, che in precedenza aveva collaborato con Kubrick all'intelligenza artificiale AI ed è un appassionato ammiratore del suo lavoro, ha annunciato che avrebbe sviluppato Napoleon come miniserie TV basata sulla sceneggiatura originale di Kubrick, ma anche questo progetto, per ora, non ha mai visto la luce. 




15/10/21

Davvero a Stephen King non piacque lo Shining (tratto dal suo romanzo) di Stanlely Kubrick? Leggenda di una rivalità

 


Una delle leggende più persistenti della storia del cinema è il dissidio - vero o presunto - tra Stephen King, l'autore del romanzo Shining, e Stanley Kubrick, che ne trasse il meraviglioso film del 1980, divenuto una delle pietre miliari del cinema degli ultimi 50 anni. 
Ma cosa c'è di vero? 

Parlando del tema del film, Kubrick affermò che "c'è qualcosa di intrinsecamente sbagliato nella personalità umana. C'è un lato malvagio in essa. Una delle cose che le storie dell'orrore possono fare è mostrarci gli archetipi dell'inconscio; possiamo vedere il lato oscuro senza doverlo affrontare direttamente". 

Stephen King nei mesi seguenti l'uscita del film fu citato per aver affermato che, sebbene Kubrick avesse realizzato un film con immagini memorabili, il suo fosse un adattamento scadente e addirittura come fosse l'unico adattamento dei suoi romanzi che poteva "ricordare di odiare". 

Tuttavia, nel suo libro di saggistica del 1981 Danse Macabre, King ha osservato che Kubrick era tra quei "registi le cui visioni particolari sono così chiare e feroci che... la paura del fallimento non diventa mai un fattore nell'equazione", commentando che "anche quando un regista come Stanley Kubrick fa un tale esasperante, film perverso e deludente come Shining , conserva in qualche modo una brillantezza che è indiscutibile; è semplicemente lì" e ha elencato il film di Kubrick tra quelli che secondo lui hanno "contribuito qualcosa di valore al genere horror". 

Prima del film del 1980, King diceva spesso di aver prestato poca attenzione agli adattamenti cinematografici del suo lavoro. 

Il romanzo, scritto mentre King soffriva di alcolismo, contiene un elemento autobiografico. King ha espresso disappunto per il fatto che alcuni temi, come la disintegrazione della famiglia e i pericoli dell'alcolismo, siano meno presenti nel film

King ha anche considerato il casting di Nicholson come un errore, sostenendo che avrebbe portato a una rapida realizzazione tra il pubblico che Jack sarebbe impazzito, a causa del famoso ruolo di Nicholson come Randle McMurphy in Qualcuno volò sul nido del cuculo (1975).

King aveva suggerito che un attore più "comune" come Jon Voight , Christopher Reeve o Michael Moriarty interpretasse il ruolo, in modo che la discesa di Jack nella follia fosse stata più snervante. 

Nel romanzo la storia assume il punto di vista del bambino, mentre nel film il protagonista è il padre; infatti, una delle differenze più notevoli risiede nel profilo psicologico di Jack Torrance. 

Secondo il romanzo, il personaggio rappresentava un uomo ordinario ed equilibrato che a poco a poco perde il controllo; Inoltre, la narrazione scritta rifletteva i tratti personali dell'autore stesso in quel momento (segnato da insonnia e alcolismo), oltre che dall'abuso. 

C'è qualche allusione a questi episodi nella versione americana del film. 

In un'intervista con la BBC, King ha criticato la performance di Duvall, affermando che il personaggio è "fondamentalmente lì solo per urlare ed essere stupido, e non è la donna di cui ho scritto"

La Wendy di King è una donna forte e indipendente a livello professionale ed emotivo; a Kubrick, d'altra parte, non sembrava coerente che una donna del genere avesse sopportato a lungo la personalità di Jack Torrance. 

King una volta ha suggerito che non gli piaceva la minimizzazione del soprannaturale da parte del film; King aveva immaginato Jack come una vittima delle forze genuinamente esterne che infestavano l'hotel, mentre King sentiva che Kubrick aveva visto l'infestazione e la sua conseguente malignità come provenienti dall'interno di Jack stesso. 

Nell'ottobre 2013, tuttavia, la giornalista Laura Miller ha scritto che la discrepanza tra i due era quasi l'esatto opposto: il Jack Torrance del romanzo è stato corrotto dalle sue stesse scelte – in particolare dall'alcolismo – mentre nell'adattamento di Kubrick le cause sono in realtà più surreale e ambiguo: King è, essenzialmente, un romanziere di moralità. Le decisioni che prendono i suoi personaggi – che si tratti di affrontare un branco di vampiri o di rompere 10 anni di sobrietà – sono ciò che conta per lui. 

Ma in Shining di Kubrick , i personaggi sono in gran parte nella morsa di forze al di fuori del loro controllo. È un film in cui si verifica anche la violenza domestica, mentre il romanzo di King parla della violenza domestica come scelta che alcuni uomini fanno quando si rifiutano di abbandonare un diritto delirante e difensivo. 

Per come la vede King, Kubrick tratta i suoi personaggi come "insetti" perché il regista non li considera davvero capaci di plasmare il proprio destino. Tutto ciò che fanno è subordinato a una forza prepotente e irresistibile, che è l'estetica altamente sviluppata di Kubrick; sono i suoi schiavi. Nel romanzo il mostro è Jack. Nel film di Kubrick, il mostro è Kubrick. 

King in seguito ha criticato il film e Kubrick come regista: Parti del film sono agghiaccianti, cariche di un inesorabile terrore claustrofobico, ma altre cadono nel vuoto. Non che la religione debba essere coinvolta nell'orrore, ma uno scettico viscerale come Kubrick non è riuscito a comprendere la pura malvagità disumana dell'Overlook Hotel. Così ha cercato, invece, il male nei personaggi e ha trasformato il film in una tragedia domestica con solo sfumature vagamente soprannaturali. Questo era il difetto di base: poiché non poteva credere, non poteva rendere il film credibile agli altri. 

Quello che sostanzialmente non va nella versione di Shining di Kubrick, secondo King, è che è un film di un uomo che pensa troppo e si sente troppo poco; ed è per questo che, nonostante tutti i suoi effetti virtuosistici, non ti prende mai alla gola e si blocca come dovrebbe fare il vero horror. 

Mark Browning, un critico del lavoro di King, ha osservato che i romanzi di King contengono spesso una chiusura narrativa che completa la storia, cosa che manca al film di Kubrick

Browning ha infatti sostenuto che King ha esattamente il problema opposto di cui ha accusato Kubrick. King, crede, "sente troppo e pensa troppo poco"

King non ha mai nascosto il suo rifiuto del risultato finale del progetto cinematografico e ha accusato Kubrick di non comprendere le regole del genere horror. 

King è stato anche deluso dalla decisione di Kubrick di non girare allo Stanley Hotel a Estes Park, in Colorado , che ha ispirato la storia (una decisione presa da Kubrick poiché l'hotel non disponeva di neve ed elettricità sufficienti). 

Tuttavia, King alla fine ha supervisionato l'adattamento televisivo del 1997 intitolato anche The Shining , girato allo Stanley Hotel. 

L'animosità di King verso l'adattamento di Kubrick si è però attenuata nel tempo. Durante un'intervista sul canale Bravo , King ha dichiarato che la prima volta che ha visto l'adattamento di Kubrick, l'ha trovato "terribilmente inquietante"

Tuttavia, scrivendo nella postfazione di Doctor Sleep , King ha professato una continua insoddisfazione per il film di Kubrick. Ha detto di ciò "... ovviamente c'era il film di Stanley Kubrick che molti sembrano ricordare - per ragioni che non ho mai capito - come uno dei film più spaventosi che abbiano mai visto."

Dopo la produzione dell'adattamento cinematografico di Doctor Sleep , in cui il regista Mike Flanagan ha riconciliato le differenze tra la versione del romanzo e quella del film di Shining , King era così soddisfatto del risultato che ha detto: "Tutto ciò che non mi è mai piaciuto della versione di Kubrick di Shining è stata riscattata qui." 

Kubrick, ovviamente, nel suo proverbiale, mitologico silenzio, non ha mai risposto direttamente alle accuse di Stephen King. Chi conosce la sua filmografia, sa che Kubrick sceglie un testo iniziale, romanzo o racconto che sia, per manipolarlo, plasmarlo completamente e fare qualcosa di completamente nuovo, e di completamente suo. 


18/02/21

Scacchi e Cinema: in un Ebook la guida a tutti i film

Stanley Kubrick alla scacchiera durante le riprese de Il Dottor Stranamore, 1964


Gli scacchi e il cinema. Un connubio antico che risale addirittura ai primi anni della nascita della settima arte, ormai quasi 130 anni fa

Sull'onda del travolgente successo della serie Netflix La regina degli scacchi, arriva nelle librerie virtuali il nuovo libro di Claudio Nobile "Scacchi e cinema", scritto in collaborazione con Bruno Nobile

Una guida critica a tutti i film inerenti il "gioco dei re", come spiega lo stesso sottotitolo dell'ebook, edito da StreetLib e in vendita sulle principali piattaforme digitali a 3,99 Euro; 

Gli autori passano in rassegna oltre 1.500 pellicole, rigorosamente schedate e catalogate, in 69 capitoli tematici

Un must-have per cinefili e appassionati del gioco di società più popolare al mondo che, con ogni probabilità, potrebbe essere anche introdotto alle Olimpiadi del 2024. 

Sono molti i cineasti o gli attori con la passione degli scacchi, da Woody Allen a John Wayne, passando per Marlon Brando e Stanley Kubrick. 

Sono rimaste impresse nella memoria di chiunque le scene di "Il settimo sigillo" o di "007, dalla Russia con amore". 

Pedoni e cavalli, torri e alfieri hanno da sempre costellato il panorama cinematografico mondiale, fino a influenzare anche le produzioni televisive. 

I due capitoli principali dell'ebook sono "28 film sovrani" e "Cameo". 

Nel primo caso ci si sofferma sulle pellicole dove gli scacchi hanno un ruolo centrale, mentre nel secondo quelle in cui il gioco compare in modo più rapido. 

La guida si pone come obiettivo quello di guidare il lettore nella comprensione dell'utilizzo degli scacchi nei film analizzandone la grammatica, il significato e la resa qualitativa. 

30/11/20

Scompare, come era apparso, il Monolite nello Utah. Chi c'è dietro?




Un mistero che inevitabilmente scatena la fantasia di tutti gli amanti delle teorie extraterrestri e delle storie di fantascienza: il monolite metallico inspiegabilmente comparso in una zona remota e selvaggia del deserto dello Utah e poi altrettanto inspiegabilmente scomparso lasciando il posto a una piramide di fatta di pietre. 

Le autorita' giurano di non essere responsabili della rimozione dell'obelisco conficcato nel terreno roccioso, e ora indagano sul giallo che sta facendo impazzire i social. 

Ma sembrano gelare l'entusiasmo degli appassionati di letteratura marziana, attribuendo lo strano episodio a non meglio precisati "sconosciuti". Burloni, magari artisti in cerca di pubblicità

Oppure fan appassionati del film '2001: Odissea nello spazio', capolavoro di Stanley Kubrick girato del 1968, e la cui vicenda ruota attorno a un monolite nero molto somigliante a quello rinvenuto nel Canyonlands National Park lungo il fiume Colorado che appare sulla Terra, ai primordi della nascita dell'Uomo, sulla Luna e infine su Giove. 

Alcuni osservatori, poi, hanno sottolineato la somiglianza dell'oggetto anche con il lavoro d'avanguardia di John McCracken, un artista statunitense che ha vissuto per un certo periodo nel vicino New Mexico ed e' morto nel 2011. 

La struttura di metallo lucido color argento e alta circa tre metri era stata notata per la prima volta il 18 novembre. 

Avvistata da un elicottero che sorvolava il deserto per seguire un gregge di bighorn sheep, le pecore dalle grandi corna tipiche della regione. 

Le autorita' avevano deciso di non divulgare le esatte coordinate del ritrovamento per evitare un afflusso di curiosi, anche se in molti lungo i sentieri e i canyon del parco sono riusciti a trovare il misterioso e futuristico obelisco. 

Una volta svanito nel nulla, al suo posto ora compare una piramide di pietre, opera che alimenta suggestioni e congetture fantasiose. 

E almeno fino a che non si scoprira' chi sono gli autori di questa vicenda, spiegano i responsabili del parco, è lecito sognare e fare qualsiasi tipo di congettura. 

11/05/20

100 film da salvare alla fine del mondo: 65. "2001: Odissea nello Spazio" ("2001: A space Odyssey") di Stanley Kubrick, 1968


Questo blog dedica, ad appuntamenti fissi - ogni lunedì - un catalogo personale dei miei 100 film da salvare "alla fine del mondo". Non saranno ovviamente vere e proprie recensioni, ma un piccolo campionario degli affetti per queste opere che hanno segnato epoche e vite di molti, se non di tutti. 

100 film da salvare alla fine del mondo: 65. "2001: Odissea nello Spazio" ("2001: A Space Odyssey") di Stanley Kubrick, 1968


A pochi registi, in questa lista iniziata ormai diversi mesi fa, toccherà l'onore di avere più di un film nell'elenco dei 100 che abbiamo scelto. 

Uno di questi è senza dubbio Stanley Kubrick, di cui abbiamo inserito già l'altro capolavoro, Barry Lyndon, nell'elenco, al numero ordinale 2 (ma ricordiamo che l'elenco non segue un ordine di merito).

Per Kubrick però la cosa è quasi scontata, visto che si tratta di uno dei registi più importanti della storia del cinema, e che ciascuno dei film che ci ha lasciato, è un'opera capitale. 

Scelgo comunque come secondo titolo, 2001 Odissea nello Spazio, il suo masterpiece del 1968 (!), che ormai viene pressoché unanimemente considerato uno dei film più importanti nella storia del cinema e figura sempre nei primissimi posti - o al primo posto - delle liste compilate dagli specialisti del settore e/o dai semplici spettatori.

Un film che incredibilmente non è ancora invecchiato - nonostante sia stato realizzato nel 1968, ovvero più di 50 anni e sia un film decisamente giocato sui termini della tecnologia e della ricerca scientifica, spaziale.  Anche se, come sanno tutti quelli che l'hanno visto almeno una volta, i contenuti tecnologici o scientifici (o fanta-scientifici) sono al servizio di quelli filosofici (o mistici) che riguardano l'essenza stessa dell'essere umano e la sua misteriosa presenza di essere senziente, nel cosmo. 

Basti pensare che uscito per l'ennesima volta nelle sale italiane, in occasione del cinquantenario, 2001 Odissea nello spazio ha fatto registrare al botteghino un risultato clamoroso, con il primo incasso,  davanti a film di freschissima produzione come "Solo: A Star Wars Story" di Ron Howard e "Deadpool 2" di David Leitch.  

Su questo film sono stati scritti montagne di articoli, saggi e libri. 
Dunque in questa sede ci limitiamo a riepilogarne qualcuno dei mille motivi di interesse che riguardano anche il modo in cui fu realizzato: 

Dopo tre mesi di isolamento totale nella sua casa-laboratorio di Abbots Mead, in aperta campagna non lontano da Londra, Stanley Kubrick presenta al pubblico e alla critica il suo lavoro piu' ambizioso, 2001: Odissea nello spazio tratto da un soggetto del guru della fantascienza Arthur C. Clarke

E' un progetto rivoluzionario e un film che entra di prepotenza nella storia del cinema: oggi si può anche leggerlo come un'icona di quell'utopia esistenziale che innerva la stagione dei grandi cambiamenti e dei fermenti che, dall'America all'Europa, segnano il fatidico anno 1968

Fin dalla concezione il film di Kubrick è una novita' assoluta: alla ricerca di un soggetto di fantascienza per continuare il suo viaggio artistico nei generi piu' popolari dell'immaginario visivo, il regista contatta Arthur C. Clarke e i due condividono a tal punto l'idea di partenza da far correre in parallelo il romanzo e la sceneggiatura. Kubrick si fa assistere dalla Nasa e da un pool di scienziati per mostrare un futuro tanto lontano quanto possibile in cui l'incontro-scontro tra l'uomo e l'intelligenza artificiale (il computer Hal 9000) abbia valenza di riflessione etica e teoretica.

"Fin dagli anni '50 - commento' George Lucas - la scienza ha prevalso sulla fantasia e il romanzesco e' stato piu' o meno abbandonato, man mano che i viaggi nello spazio e la tecnica venivano in primo piano. In questo filone, il capolavoro e' 2001: Odissea nello spazio, uno dei miei film preferiti, in cui tutto e' scientificamente esatto e immaginato partendo dal possibile. E' veramente l'apice della fantascienza"

E ancora oggi molti scienziati sostengono che se i programmi nello spazio di Usa e Urss avessero mantenuto il ritmo previsto da Kubrick, buona parte delle ipotesi rese realistiche nel film si sarebbero effettivamente realizzate nello stesso tempo. Con un salto temporale che ancora oggi lascia senza fiato, l'inizio di 2001: Odissea nello spazio trasporta l'uomo dall'alba della preistoria al futuro usando una metafora di offesa e conquista (l'osso scagliato verso il cielo) come simbolo di una violenza ancestrale che si trasforma in astronave e quindi in uno sguardo verso la possibile evoluzione della razza umana. 

"Ognuno e' libero di speculare a suo gusto sul significato filosofico e allegorico del film - ha dichiarato Kubrick -. Io ho cercato di rappresentare un'esperienza visiva, che aggiri la comprensione per penetrare con il suo contenuto emotivo direttamente nell'inconscio". 

Per questo il racconto e' diviso in quattro parti. 

Nella prima, all'alba della storia, una tribu' di ominidi tocca la conoscenza grazie al contatto con un misterioso monolite nero venuto dallo spazio. 

Nella seconda, ambientata sulla Luna nel 1999, viene rinvenuto un analogo monolite che fara' da porta verso il futuro per gli astronauti di Discovery One. 

La terza parte, ambientata 18 mesi dopo, vede la squadra spaziale guidata dal comandante Bowman e dal computer Hal 9000 in viaggio verso Giove sulle tracce del segnale radio emesso dal misterioso monolite. 

Nell'epilogo Bowman, rimasto ormai solo a bordo dell'astronave in vista di Giove, incontra di nuovo il monolite che fluttua nello spazio profondo e, grazie a questo, viene trascinato oltre il tempo fino a una misteriosa camera da letto dove si vede vecchio e morente per poi tornare neonato, feto cosmico evoluto da essere umano in una forma superiore. 

Nonostante le mille interpretazioni date al cuore filosofico del film, 2001: Odissea nello spazio rimane prima di tutto un'esperienza visiva e auditiva (e per questo emozionale) che non invecchia come si capisce bene dai mille ritorni della pellicola (rinata a nuova vita anche grazie alle tecnologie digitali) e dal suo sempreverde successo

Costato 12 milioni di dollari di 50 anni fa, il film ha più che centuplicato i suoi incassi attraverso le generazioni e continua ad affascinare e sedurre gli spettatori, generando anche molte leggende

La piu' celebre e' quella per la quale, entrato in rapporto con la Nasa, Kubrick avrebbe poi barattato l'uso di alcune tecnologie futuribili (lenti e cineprese di avanzata concezione) in cambio di una ripresa in studio dell'allunaggio del 1969: garanzia per la Nasa ove qualcosa fosse andato male durante la documentazione di quello storico successo nella corsa spaziale.

(per questo breve riassunto, notizie tratte da Askanews e  Giorgio Gosetti per  ANSA



04/09/19

La Gatta "paranormale" di Kubrick. L'intervista di Michel Ciment a Stanley Kubrick.




Michel Ciment: 
"A proposito di Shining, Lei ha fatto delle ricerche sui fenomeni paranormali?"

Stanley Kubrick: 
"In realtà non era necessario fare alcuna ricerca.  La vicenda non ne aveva bisogno ed essendomi sempre interessato a questo argomento ne ero informato quanto bastava.

Spero che i fenomeni paranormali ed i fenomeni psichici ad essi correlati vengano ampiamente riconosciuti dalla scienza.

Già parecchi studiosi sono talmente colpiti dall'evidenza dei fenomeni da dedicare le loro ricerche all'argomento.

Se una volta o l'altra emergeranno prove definitive, non sarà un fatto emozionante, quanto, ad esempio, la scoperta di un'intelligenza aliena nell'universo, però si tratterà certamente di un elemento che allargherà i confini della nostra mente. 

Oltre alla vasta gamma di esperienze psichiche inspiegabili che probabilmente tutti possiamo raccontare, credo di poter scorgere negli animali un comportamento molto vicino a qualcosa di extrasensoriale. 

Ho una gatta di nome Polly con un pelo lungo spesso arruffato che io devo spazzolare e sforbiciare.

Lei lo detesta e più volte mentre stavo accarezzandola e solo pensavo che i nodi erano così fitti che andavano spazzolati, lei, improvvisamente, prima ancora che facessi la benché minima mossa di andare a prendere la spazzola o le forbici, andava a nascondersi sotto il letto. 

Ovviamente ho anche pensato che lei riesca a capire quando mi preparo ad usare la spazzola da come la tocco, ma non credo che sia proprio così.

Ha quasi sempre dei nodi nel pelo ed io la accarezzo innumerevoli volte ogni giorno, ma è solo quando ho deciso davvero di spazzolarla che lei scappa via e si nasconde.

Da quando me ne sono reso conto sto particolarmente attento a non toccare quei nodi in qualche maniera diversa, che pensi o meno che abbiano bisogno di essere spazzolati. 

Ma il più delle volte sembra che conosca la differenza." 

Tratto da Michel Ciment, Kubrick, Traduzione Lorenzo Codelli, Milano Libri, 1981, pag. 189

15/03/19

100 film da salvare alla fine del mondo: 3. "Barry Lyndon" di Stanley Kubrick (1975)


Questo blog dedica, ad appuntamenti fissi - ogni lunedì e ogni venerdì - un catalogo personale dei miei 100 film da salvare "alla fine del mondo".  Non saranno ovviamente vere e proprie recensioni, ma un piccolo campionario degli affetti per queste opere che hanno segnato epoche e vite di molti, se non di tutti. 

3. "Barry Lyndon" di Stanley Kubrick (1975).

Stanley Kubrick con il suo grande genio, era talmente avanti, che quando Barry Lyndon che aveva interamente scritto e diretto, traendolo da celebre romanzo di William Makepeace Thackeray, uscì nelle sale, il film venne scambiato per un ordinario film in costume, con incassi non cospicui e critiche ovviamente positive ma tutto sommato anch'esse ordinarie.

Con il passare degli anni invece il film è stato continuamente riscoperto, studiato e analizzato, ad esso sono stati dedicati saggi in tutto il mondo e 
oggi è giustamente considerato uno dei migliori film di Kubrick e una delle più grandi opere cinematografiche mai realizzate.

La storia, seguendo fedelmente il romanzo, prende la mosse dal piccolo villaggio irlandese nel quale vive il giovane Redmond Barry che, figlio unico di madre vedova, scapestrato e di bell'aspetto ma con pochi soldi in tasca, s'innamora della cugina, la bella e frivola Nora Brady.

Nel villaggio, qualche settimana più tardi, si ferma un reggimento militare del Regno Unito, che sta reclutando truppe per la guerra dei sette anni. A causa della delusione sentimentale - durante la sosta Nora conosce il capitano John Quin, con cui avvia una relazione - Barry decide di arruolarsi. 

Da lì iniziano le peripezie del protagonista, attraverso la crudelissima guerra, l'improvvisa ricchezza, il morbo del gioco, il circolo degli aristocratici nel quale sembra essere accolto, l'amore passionale, quello paterno, il dolore più grande, la caduta, il duello, la rovina.

Il film fu diviso da Kubrick in due parti, la prima  - Con quali mezzi Redmond Barry acquisì lo stile e il titolo di Barry Lyndon e la seconda - Resoconto delle sventure e dei disastri che accaddero a Barry Lyndon , genialmente separati da un breve intervallo  di 40 secondi di schermo completamente nero.


Il film di Kubrick è una epopea, stilisticamente unica.  Per creare un'opera che fosse massimamente realistica, il regista con la sua proverbiale maniacalità, trasse ispirazione dai più famosi paesaggisti del XVIII secolo per scegliere le ambientazioni dei set. Le riprese vennero effettuate in Inghilterra, Irlanda e Germania. Le scene e i costumi vennero ricavati da quadri, stampe e disegni d'epoca.  È un film fortemente visivo, talmente ricco di immagini e riferimenti estetici (dovute alle vastissime ricerche condotte dall'autore) da farne la più ampia e rigorosa rappresentazione del Settecento che il cinema abbia mai prodotto.

Ma questo non realizzò semplicemente un esercizio calligrafico (per questo fu scambiato dai plenipotenziari grossolani di Hollywood che infatti concessero al film soltanto i premi Oscar alla migliore fotografia (John Alcott), alla migliore scenografia (Ken Adam) e ai migliori costumi (Milena Canonero).

Nulla infatti nel capolavoro di Kubrick ha semplicemente un significato estetico, fine a se stesso.

Come sempre, nella filmografia del grande maestro, la perfezione esteriore mira a una messa a nudo totale bi-direzionale.  Della scena rispetto allo spettatore che osserva, e dello spettatore rispetto alla scena osservata: calato, immerso nella ricostruzione apparentemente asettica di un altrove linguistico, storico-temporale, lo spettatore si libera di ogni pre-giudizio e di ogni pre-visione e si abbandona al quadro morale costituito dalla storia raccontata da Thackeray e re-interpretata e re-inventata da Kubrick.

Ancora una volta, come in Orizzonti di Gloria, come in Spartacus, come in Arancia Meccanica e come in 2001 Odissea nello Spazio (ma l'elenco potrebbe proseguire) l'uomo è solo e nudo e al centro, contro il mistero della creazione, contro le avversità, il destino, il fato, contro gli enigmi della vita e delle pure contraddizioni, sospese tra il Bene e il Male, che costituiscono il teatro entro cui si svolge l'esistenza di ogni uomo e entro cui egli è chiamato conradianamente a scegliere ogni volta, a decidere le proprie fortune e/o la propria rovina. 

Un film grandioso e immortale, che ogni volta stupisce per la sua perfezione esteriore e per la profondità con cui si addentra nel mistero del cuore umano.

Fabrizio Falconi



Barry Lyndon
di Stanley Kubrick
Regno Unito, Stati Uniti, 1975
Durata 184 min
Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee, Hardy Krüger.